약 3년간의 코로나 기간을 거치며 얼마 지나지 않은 최근까지, 인류는 고립된 상태로 생존싸움을 겪어야 했다. 바이러스와의 싸움이 종식된 지금, 전 세계 곳곳에서는 아직도 전쟁과 학살이 자행되고 있다. 그 밖에도 비교적 평화로운 일상을 보내고 있는 현대인들조차 매 순간 크고 작은 차별에 맞서서 소리없이 각개전투를 치르며 고독한 자리싸움 중이다. 자유를 표방한 개인주의가 팽배한 현대사회에서 우리는 지금 한순간이라도 제대로 함께 있는가? 수많은 역사책과 박물관이 증명하고, 지금 살아있는 우리의 존재가 방증하듯, 인류의 지난한 역사동안 우리는 공동체를 이루며 생존해왔다. 우리는 어떻게 계속해서 ‘우리’로서 살아갈 것인가. 작가 천예지는 그의 유토피아적 세계관을 투영한 작업을 통해 이와 같은 질문을 던지고 다양한 대안적 가능성을 제시한다.

    천예지는 회화, 영상, 그리고 3차원 오브제를 통해서 역동적인 상호작용이 일어나고 있는 새로운 세계를 구축해 나간다. 그의 작품 속에는 인간이나 동물과 닮은 혼종적 생물체 또는 기포 형상의 세포가 출현하며, 이와 같은 형상의 몸은 주변 환경과 연결되고 맞닿아진 상태로 표현된다. 작가의 작품에 나타난 대부분의 개체들은 홀로 두드러지거나 따로 떼어져 있지 않으며, 각각의 개체는 서로에 포개어지고 기대어진 채로 표현된다. 이와 같은 양상은 상호공존하며 오롯이 홀로 존재할 수 없는 생태계 구성원의 운명과 그들이 이루는 세계를 암시한다. 작가는 그의 작업을 통해서 환경 오염, 전쟁, 혐오, 차별 등이 만연한 동시대에 우리 사회가 각기 다른 입장을 내세워 쌓아 올린 대립의 벽을 허물 것을 촉구한다. 동시에 뗄래야 뗄 수 없는 나와 타자의 관계에 대해 곱씹어보게 하며, 나 이외의 존재와 상호작용이 필연적인 것임을 직시하도록 한다.

    작품의 대부분을 차지하는 파스텔 톤의 푸른색과 분홍빛 색조는 몽환적이고 신비로운 분위기를 자아내며, 애니메이션의 등장인물처럼 친밀해 보이는 캐릭터의 구현은 작품에 대한 관람자의 접근성을 용이하게 한다. 더불어 입체적이고 생동감 있는 개체들은 자연스레 보는 이의 시선을 끌고, 작품과 관람자 사이에 이루어지는 유희적인 상호작용을 형성한다. 이와 같은 작업 요소를 통해서 관람자는 경계심이나 어려움 없이 작품에 초대되고, 이런 과정을 통해 관람자의 자율적 시간 속에서 작업이 내포하고 있는 함의에 대한 다층적 해석이 이루어진다.

    작가는 영상 및 3차원 오브제 등의 매체를 활용하여 그의 작업에 생동감을 부여하고 약동하는 유기체 간의 관계 맺기를 생생하게 묘사한다. 회화 작업에서의 입체적이고 촉각적인 개체를 통해서 이미 예고되었던 3차원성은 3D 프린터를 통해 실제 세계에서 구현된다. 상상에서 구현되었던 새로운 세계 속의 생물은 만질 수 있는 오브제로 관람자 앞에 놓여, 본격적으로 현실과 가상의 경계를 허물기 시작한다. 이와 같은 해체의 과정은 회화, 영상, 오브제 등의 창조물 그 자체를 통해서 전개되며 작품 세계에서처럼 현실 세계에 존재하는 다양한 개체의 유기적인 관계와 공존 가능성을 암시한다.

    유지영은 자기 작품을 어지럽히고 정리하는 과정이라 표현한다. 이러한 과정은 혼란스럽고 불안정한 상황을 극복하기 위해 익숙한 모습과 나름의 법칙을 찾는 우리의 본성과도 닮았다. 반대로 규칙과 압박 속에서 변칙적인 모습을 기대하기도 하는 사람들의 양면적인 심리는 각자의 불안에 맞서는 방식에서 비롯되어 규칙과 자유 그 중간 어딘가에서 균형을 찾도록 헤매게 만든다. 어느 쪽이든 확실하게 망가트리지도, 완벽한 규칙에 맞추기도 불편해 결국 그 중간의 애매함을 택하는 것은 언뜻 우유부단해 보일지라도 사실은 양 끝을 정확히 인식해야지만 나올 수 있는 선택지이다.

(도 1) 유지영, Blank type1, 2023, Oil on canvas 91 x 91cm

    무(無)의 상태는 가장 안정적이면서도 가장 예측할 수 없기에 두려운 상태라 할 수 있다. 아무것도 없기에 걱정할 것이 없으면서도, 계속해서 무엇에 대한 결핍인지도 모를 막연한 것을 마주해야 하기에 고통스럽다. 우연을 가장해 텅 빈 곳을 벗어나고자 하는 시도는 물감들이 캔버스 위에 뿌려지고, 번지고, 밀려 나가서 무질서하게 흩어지는 형태로 나타난다. 의도가 아니라는 말로 가벼운 척 위태로운 상황에서 벗어났지만, 회피하듯이 벗어난 반대편에는 자유롭지만, 끝이 없는 또 다른 불안이 있다. 작가는 끝과 끝 사이를 오가며 우연히 도달한 형태들을 찾아 나름의 조형 언어로 정리하는 작업을 통해 자신만의 안락한 공간을 만들어낸다. 우연에서 출발한 유기적인 형태는 작가의 조형적인 탐구 과정에 따라 나타났다가 다시 사라지기를 반복하며 회화에 적용된 시간마저도 뒤틀어 놓는다. 그러한 시간차로 인해 생기는 생동감은 형태적인 생동감과 맞물려 보는 이가 비록 행동의 결과를 보고 있지만, 과정 그 자체에 몰입하도록 돕는다.

    <Blank type 1>(2023)과 <Blank type 2>(2024)가 보여주는 완벽히 정돈되지도 않은 화면은 매끈하면서도 까슬까슬하고, 쏟아질 듯 흘러내리다가도 탄력적으로 튀어 오르는 듯하고, 미끈거리면서도 보송보송해 보이는 다양한 질감들로 가득하다. 우연적인 기법들과 수습하는 과정에서 나온 물성들끼리의 충돌은 촉각적인 긴장감을 불러일으킨다. 동시에 작가가 찾아낸 형태들은 끝끝내 어떤 구체적인 형상을 이루지 못하고 보는 이들의 자유로운 연상작용을 자극한다. 관객들은 작가가 만들어 놓은 형태들에서 어떤 구체적이고 정돈된 해답을 얻어갈 수는 없지만, 긴장과 조화가 끌어내는 형언할 수 없는 촉각적이면서도 시각적인 감각 속에서 또 다른 규칙성과 조형성을 찾는 경험을 하게 된다. 이 긴장되는 경험은 혼돈 속에 작가가 만들어 놓은 안락한 공간으로 초대해 우리가 근심을 잊고 현재에 집중하도록 만들어 준다.

(도 3) 유지영, Winkle tracking, 2022, Oil on cotton, 57.0 x 67.0cm

    한편, 유지영의 작품 속에 등장하는 우연적 요소는 내부적으로도, 외부적으로도 작용한다. <Winkle Tracking>(2022)과 <Kids Tracking>(2022)과 같은 트레킹 시리즈에서는 작가 본인이 만들어낸 형태에서 출발하지 않고 천 그 자체가 가진 주름의 의도치 않은 모양이나 아이들이 자유롭게 만들어낸 다양한 형상들에서 시작해 조형을 탐구한 결과를 보여준다. 제목처럼 따라가다 보면 도달하는 형태들은 앞서 본인이 만들어낸 혼란이 아닌 또 다른 끝 지점을 탐색해 보려는 시도로 볼 수 있는데, <Technique Study>(2023) 시리즈는 형태적인 것뿐만 아니라 재료적인 고민을 거친 다양한 기법들을 활용해 가능성을 실험한다. 다양하게 시도되는 우연성은 작가가 상상할 수 있는 형태의 폭을 넓히면서도 회화의 표면에 머물러 있는 이들이 깊이 빠져들 만한 재미있는 이야기가 되어준다. 다양한 불안 요소들을 파악하려는 앞선 탐구 과정은 어느새 불확실성 사이를 점유한 공간의 깊이를 확장한다.

(도 5) 유지영, Technicque study1, 2023, Oil on canvas 53.0 x 45.5cm

    끝에는 주저 없이 내리그은 선과 면들이 보일지라도 작가의 시작은 텅 빈 흰 캔버스였다. 어지럽히고 다시 수습하는 반복적인 과정이 캔버스 틀 안에서 당연하게 이루어지는 듯하지만 작가는 맨 처음 티끌 하나 없는 빈 공간 속에서 예기치 못한 형태와 마주 볼 용기가 필요하다. 그런 의미에서 유지영은 언제나 용감하게 어지러트리고 다시 정리한다. 그가 제시하는 불안 속 부유하는 공간은 우리를 두려움과 안락, 우연성 사이에서 새로운 경험을 제공하고 그 과정 속으로 끌어들여 우연한 척 우리가 마음 놓고 발 디딜 곳을 만들어준다.